예술이란

예술이란

다양한 인간 활동이며, 그 결과물로서, 기술 능력, 아름다움, 감정적 힘 또는 개념적 사상의 표현적 창조적 또는 상상적 재능을 포함한다.

예술이 무엇을 구성하는지에 대한 일반적으로 합의된 정의는 없으며 그 해석은 역사와 문화 전반에 걸쳐 크게 달라졌다.

서양 전통에서, 세 가지 고전적인 시각 예술 분야는 회화, 조각, 건축이다. 연극, 무용, 기타 연주 예술은 물론 문학, 음악, 영화, 그리고 인터랙티브 미디어와 같은 다른 매체들도 예술의 더 넓은 정의에 포함되며

기타연주

17세기까지, 예술은 어떤 기술이나 지배를 의미하며, 공예나 과학과 다르지 않았다. 미적 고려가 가장 중요한 17세기 이후의 현대적 사용에서 미술은 장식 예술이나 응용 예술과 같이 일반적으로 습득한 기술과 분리되고 구별된다.

예술의 본질과 창의성과 해석과 같은 관련 개념들은 미학으로 알려진 철학 분야로 탐구되어지고있어 그 결과 작품들은 예술 비평과 예술사의 전문 분야에서 연구된다.

 

예술의 개요
예술사의 관점에서 예술 작품은 선사시대 예술에서 현대 예술에 이르기까지 거의 오랫동안 존재해 왔지만, 일부 이론가들은 "예술 작업"의 전형적인 개념이 현대 서구 사회 밖에서는 잘 맞지 않는다고 생각한다.

미술의 정의에 대한 초기 느낌은 고대 라틴어 의미와 밀접하게 연관되어 있는데, 이는 대략 "경쟁" 또는 "예술"과 같은 단어와 관련된 것으로 번역된. 이 뜻에서 유래한 영어 낱말에는 공예품, 인공 예술, 의료 예술, 군사 예술 등이 있다. 그러나 그 단어의 다른 구어체 용도가 많이 있는데, 모두 그의 어원과 어떤 관련이 있다.
시간의 흐름에 따라 예술작품은 그것의 장식적 가치 외에도 실질적인 기능을 제공할 수 있다.
시간이 흐르면서 플라톤, 아리스토텔레스, 소크라테스, 임마누엘 칸트와 같은 철학자들은 예술의 의미에 의문을 제기했다. 플라톤에서 여러 대화는 예술에 관한 문제를 다룬다: 소크라테스는 시는 뮤즈에서 영감을 얻으며 이성적이지 않다고 말한다. 그는 파에드로 (265a-c)에서 이것과 다른 형태의 신성한 광기 (파괴, 에로티즘 및 꿈)에 대해 승인적으로 이야기하지만 공화국에서 호머의 위대한 시 예술과 웃음 또한 금지하기를 원합니다. 이온에서 소크라테스는 공화국에서 호머가 표현한 거부감을 전혀 나타내지 않습니다. 이온 대화는 호머의 일리아드가 오늘날 현대 기독교 세계에서 성경처럼 고대 그리스 세계에서 작동했음을 시사합니다. 도덕적인 방향을 제공할 수 있는 신성한 영감을 받은 문학 예술입니다.

아리스토텔레스

문학 예술과 음악 예술에 관해서, 아리스토텔레스는 서사시, 비극, 희극, 시, 디디시람 음악을 모방하거나 모방하는 예술로 여겼다. 예를 들어 음악은 리듬과 조화의 수단으로 모방한다. 반면에 춤은 단지 리듬으로, 시는 언어로 모방하고 모조품에서도 모양이 다르다. 예를 들어, 코미디는 평균보다 더 나쁜 남자의 극적인 모방이다. 반면에 비극은 평균보다 약간 더 나은 남자를 모방한다. 마지막으로, 모방의 형태는 모방의 형태에서 다르다: 이야기나 성격, 변화 또는 변화 없이, 드라마 또는 드라마 없이. 아리스토텔레스는 모방이 인류에게 자연스럽고 동물에 비해 인류의 장점 중 하나라고 믿었다.

예술이라는 단어의 가장 최근의 구체적인 의미는 창작 예술이나 얇은 예술의 약자로 17세기 초에 생겨났다. 아름다움은 예술가의 창의성을 표현하는데 사용되는 기술을 말한다. 대중의 미적 감성을 참여시키거나 대중을 더 세련되거나 더 미세한 예술작품에 대한 고려로 끌어들이기 위해서이다.

후자의 의미에서 예술이라는 단어는 창조적 기술에 대한 연구, 창조적 기술을 사용하는 과정, 창조적 기술의 산물, 창조적 기술에 대한 대중의 경험 등 여러 가지를 지칭할 수 있다. 창작예술(예술로서의 예술)은 개인적 충동(활동으로서의 예술)에 의해 강요되는 예술작품(예술로서의 예술)을 제작하고 의식적인 해석(예술을 경험으로)을 위한 메시지, 유머 또는 상징성을 전달하는 분야의 집합이다. 예술은 감각을 통해 개인의 생각, 감정, 신념 또는 사상을 자극하는 것이다. 예술 작품은 이러한 목적을 위해 명시적으로 제작되거나 이미지나 사물에 기초하여 해석될 수 있다. 칸트와 같은 일부 학자들에게 과학과 예술은 과학과 예술의 영역을 예술 표현의 자유 영역을 대표하는 것으로서 구별될 수 있다.

흔히, 기술을 일반적이거나 실용적인 방법으로 사용한다면, 사람들은 그것을 예술이라기보다는 예술이라고 생각할 것이다. 마찬가지로, 기술이 상업적으로나 산업적으로 사용될 경우, 아름다움의 예술보다는 상업적인 예술로 간주될 수 있. 반면에, 장인 예술과 디자인은 때때로 응용 예술로 여겨진다. 일부 미술 추종자들은 미세한 예술과 응용 예술의 차이는 어떤 명확한 정의의 차이보다 예술에 대한 가치 판단과 더 관련이 있다고 주장해 왔다. 그러나 좋은 예술조차도 종종 창의성과 자기 표현을 넘어서는 목표를 가지고 있다. 예술작품의 목적은 정치적, 정신적 또는 철학적 예술에서와 같은 사상을 소통하고, 아름다움의 감각(미적 감각)을 창출하며, 지각의 본질을 탐구하거나, 쾌락을 추구하거나, 강한 감정을 불러일으키는 것일 수 있다. 목적 또한 명백히 존재하지 않을 수 있다.

철학자 리처드 월하임은 예술의 본질을 "인류 문화의 전통적인 문제 중 하나"라고 묘사했다. 예술은 감정과 사상의 표현이나 의사소통을 위한 수단, 자신의 이익을 위해 형식적인 요소를 탐색하고 감상하는 수단, 그리고 모방이나 표현으로 정의되어 왔다. 내시즘과 같은 예술은 아리스토텔레스의 철학에 깊은 뿌리를 두고 있다. 레오 톨스토이는 예술을 한 사람에서 다른 사람으로 소통하기 위한 간접적 수단을 사용한 것으로 파악했다. 베네데토 크로스와 R. G. 콜링우드는 예술이 감정을 표현하며 따라서 예술 작품은 본질적으로 창조자의 마음속에 존재한다는 이상주의적 관점을 발전시켰다. 형태로서의 예술 이론은 칸트의 철학에 뿌리를 두고 있으며 로저 프라이와 클라이브 벨에 의해 20세기 초에 개발되었다. 보다 최근에는 마틴 하이데거의 영향을 받은 사상가들이 예술을 하나의 공동체가 스스로를 자기표현과 해석의 수단으로 발전시키는 수단으로 해석하고 있다. 조지 디키는 예술 작품을 일반적으로 "예술 세계"라고 불리는 사회 기관을 대신하여 행동하는 자격을 갖춘 사람 또는 개인이 "평가 후보자의 지위"를 부여한 어떤 유물로 정의하는 제도적 예술 이론을 제시했다. 래리 샤이너는 예술을 "본질이나 운명이 아니라 우리가 한 것"이라고 설명했다. 일반적으로 이해한 바와 같이 예술은 26년 된 유럽의 발명품입니다."

예술은 모방(현실 표현), 스토리텔링(이야기 연결), 표현, 감정 전달 또는 기타 자질 측면에서 특징지어질 수 있다. 낭만주의 시대에 예술은 "종교와 과학으로 분류될 수 있는 인간의 마음의 특별한 능력"으로 여겨지게 되었다.