예술의 단계-1

예술의단계

예술은 여러분이 주장할 수 있는 몇 가지 단계로 나눌 수 있습니다. 이 글은 창의적 과정을 넓은 세 단계로 나누지만 정확한 수에 대해서는 의견이 일치하지 않는다.

 

 

준비

첫 번째 단계에서, 예술가는 자신의 마음속에 있는 예술을 상상합니다. 그의 예술이 어떤 모습일지 상상하면서 작가는 예술을 창조하는 과정을 시작한다. 예술의 준비는 주제에 접근하고 연구하는 것을 의미할 수 있다. 예술적 영감은 예술의 주요 원동력 중 하나이며, 그것은 본능, 인상, 감정에서 비롯된다고 볼 수 있다.

 

창작

두번째 단계에서 예술가는 자신의 작품을 만듭니다. 작품을 만드는 것은 예술가의 유머, 환경, 정신 상태와 같은 요인에 의해 영향을 받을 수 있다. 예를 들어, 그의 생애의 연장선에서 만들어진 프란시스코 데 고야의 검은 그림은 고립되어 있었고 전쟁에 대한 경험 때문에 너무나 암울하다고 여겨진다. 그는 스페인에 있는 자신의 아파트 벽에 직접 그림을 그렸고, 아마도 누구와도 논의하지 않았을 것이다. 비틀즈는 LSD와 대마초와 같은 마약이 Revolver와 같은 가장 큰 성공에 영향을 미쳤다고 선언했다. 시행착오는 생성 과정의 필수적인 부분으로 간주된다.

 

감사

마지막 단계는 비판의 하위토픽을 가진 예술에 대한 감상이다. 한 연구에서 시각예술 학생의 절반 이상이 반성이 예술 과정의 필수적인 단계라는 데 동의했다고 한다. 교육 잡지에 따르면, 미술의 반영은 경험의 필수적인 부분으로 간주된다. 그러나 예술의 중요한 측면은 다른 사람들도 그것을 보고 감상할 수 있다는 것이다. 많은 사람들이 보고 듣고 있는지 여부에 초점을 맞추고 있다. 그들은 예술이 좋든 나쁘든 간에, 예술은 사회의 정보와 건강 제공자로서 상업적 성공을 넘어서는 깊은 가치를 가지고 있다고 믿고있다. 예술적 즐거움은 아름다움으로 인해 광범위한 감정을 불러일으킬 수 있다. 어떤 예술은 연설을 자극하기 위해 학문적인 분석을 통해 실용적이어야 한다.

 

공개 접근
고대 이래로 대부분의 최고의 예술은 부와 권력의 집중적인 전시로 구성되었고, 종종 엄청난 크기와 비싼 재료를 사용하여 달성되었다. 많은 예술이 정치 통치자나 종교 기관에 의해 주문되었고, 사회에서 가장 부유한 사람들에게만 제공되는 더 겸손한 버전들이 있다.

그럼에도 불구하고, 특히 토기에 남아 있는 도자기 같은 저가 언론과 섬유나 목재와 같은 부패한 매체에서, 매우 높은 품질의 예술이 대부분의 사회에서 이용 가능한 시대는 지났다. 다양한 문화권에서는 미국 원주민의 도자기가 다양한 무덤에서 발견되었고 다른 형태의 예술이 존재했음에도 불구하고 사회적 엘리트들에게만 국한되지 않았다. 형태와 같은 생식기술은 대량생산을 촉진하고 고품질의 고대 로마 도자기나 그리스 타나그와 같은 매우 광범위한 시장에 진입하기 위해 사용되었다. 원통형 씰은 예술적이고 실용적이었으며 고대 중동의 중산층이라고 할 수 있는 사람들에 의해 널리 사용되었다. 동전이 널리 사용되기 시작하면서, 그것들은 사회의 가장 넓은 부분을 차지하는 예술 형태가 되었다.

또 다른 중요한 혁신은 15세기에 유럽에서 일어났는데, 그 때 그들은 주로 종교적인 작은 나무 판화를 인쇄하기 시작했는데, 이것은 종종 매우 작고 손으로 칠한 것이었는데, 이것은 심지어 벽에 붙어있는 농부들에게조차 저렴했다. 인쇄된 책들은 처음에는 매우 비쌌지만, 19세기에 이르러서는 가장 가난한 사람들이 인쇄된 삽화를 살 수 있을 때까지 가격이 계속해서 떨어졌다.수세기 동안 다양한 인기 있는 판화들이 집과 다른 곳을 장식했다.

1661년, 세계 최초의 공공 미술관인 바젤 박물관이 스위스 바젤에 문을 열었다. 오늘날, 이 컬렉션은 15세기 초부터 현재까지 인상적으로 넓은 역사적 범위를 가지고 있다. 다양한 억양 영역은 같은 종류의 가장 중요한 박물관 중 하나이며 국제적인 지위를 부여한다. 여기에는 1400년에서 1600년 사이에 라인 강 상류에서 활동한 화가들의 그림과 그림, 그리고 19세기와 20세기의 예술이 포함된다.

세속적이든 종교적이든, 공공 건물과 기념물은 본질적으로 사회 전체와 방문객을 관객으로 대하며, 그것들을 일반 대중에게 소개하는 것은 오랫동안 디자인에 있어서 중요한 요소였다. 이집트의 사원은 성직자들뿐만 아니라 대중들에게도 전형적이다. 그러한 사람들의 미술품 대부분은 베르사유 궁전뿐만 아니라 왕궁, 성, 사회적 엘리트에서도 자주 볼 수 있었다. 외부 매장에서 적합한 부속품(신발과 검의 실버 버클)을 대여할 수 있는 곳.

대중들이 갤러리에 전시된 큰 왕실 소장품이나 개인 소장품을 볼 수 있도록 특별한 조치가 취해졌다. 예를 들어, 파리 오를레앙 궁전의 소장품들은 대부분 18세기 대부분 동안 왕궁의 건물에 보관되어 있었다. 이탈리아에서는 그랜드 투어의 예술 관광이 르네상스 시대의 주요 산업이 되었고 정부와 도시는 주요 작품에 대한 접근을 추구했다. 영국 왕립 수집품은 여전히 명백하지만, 오래된 왕립 도서관과 같은 큰 기부는 1753년에 설립된 대영 박물관에 전달되었다. 이 미술관은 1765년 플로렌스에 완전히 문을 열었지만, 이 기능은 원래 공공 서비스 사무실에서 건물을 구입했다. 현재 마드리드 프라도가 차지하고 있는 이 건물은 프랑스 혁명 전에 비엔나, 뮌헨, 그리고 다른 수도에서 대중에게 공개되었던 왕립 미술 수집품의 일부와 왕립 미술관의 존재를 공개적으로 보여주기 위해 지어졌다. 1793년 프랑스 혁명 당시 루브르 박물관을 옛 프랑스 왕실의 공공 박물관으로 개관한 것은 예술에 대한 대중의 접근을 발전시키고 공화국에 소유권을 이전했음에도 불구하고 현재의 추세를 지속시키기 위한 중요한 단계였다.

대부분의 현대 국립 박물관과 학생들을 위한 예술 교육 프로그램은 예술을 모든 사람이 이용할 수 있게 하려는 이러한 노력을 따라갈 수 있다. 그러나 박물관은 예술의 접근성을 보장할 뿐만 아니라, 연구 결과에 따르면 관객들이 예술을 인식하는 방식에도 영향을 미쳤다. 그러므로 미술관 자체는 예술적 프레젠테이션을 위한 느린 장면일 뿐만 아니라 현대 사회에서 예술에 대한 일반적인 인식에서 적극적이고 중요한 역할을 한다.

미국의 박물관은 일반적으로 매우 부유한 사람들에게 기증한다. (예를 들어, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관은 철도 관리자인 존 테일러 존스턴에 의해 설립되었다. 존 테일러 존스턴은 그의 개인 미술품 컬렉션을 박물관에 전시했다.) 하지만 적어도 21세기 미술의 중요한 기능들 중 하나는 부와 사회적 지위의 지표로 남아있다.

 

부자들이 지위의 대상으로 살 수 없는 예술을 창조하려는 예술가들의 시도가 있었다. 1960년대 후반과 1970년대 후반의 많은 미술품들의 주요 동기는 사고 팔 수 없는 예술의 창조였다. "우리는 단순한 것 이상의 것을 상상할 필요가 있습니다,"라고 전후 독일의 대표적인 화가인 요제프 보이스는 말했다. 이 기간 동안 공연 예술, 비디오 아트, 개념 예술이 등장했다. 작품이 아무것도 남기지 않는 퍼포먼스이거나 아이디어라면 사고 팔 수 없다고 생각했다. 예술이 상품이라는 생각에 바탕을 둔 민주적 교훈은 1960년대 중반에 생겨나 1970년대에 달성된 미적 혁신을 가져왔다. 예술가는 개념 예술과 널리 동일시된다... 페인트나 조각의 형태로 물질적, 물질적 관심의 공연과 출판 활동을 대체하려고 한다. 그들은 예술과 예술품을 약화시키려고 노력했다.

 

그 후 수십 년 동안, 예술 시장이 DVD 비디오 작품, 독점 공연 작품, 그리고 개념적인 작품으로부터 남겨진 물건들을 파는 법을 배웠을 때, 그 아이디어는 다소 사라졌다. 이러한 연극들 중 다수는 왜 아이디어, 비디오, 또는 명백한 쓰레기가 예술로 여겨질 수 있는지에 대해 교육받은 엘리트들만이 이해할 수 있는 작품을 만든다. 지위의 표시는 반드시 작품을 소유하는 것이 아니라 상류층의 활동으로 남아 있는 이해이다. 2000년대 초에는 DVD 녹화 기술이 널리 사용되면서 예술가들의 작품과 작품의 판매로 이익을 본 갤러리 시스템이 비디오와 컴퓨터 작품의 판매를 제한적으로 통제하게 되었다.